Proximidad: Las funciones básicas deben aparecer de inmediato, mientras que las funciones avanzadas deben estar en un lugar menos para los usuarios nuevos. Los usuarios deben beneficiarse de tener más próximas las funcionalidades más utilizadas, al igual que un carpintero siempre quiere tener a mano las herramientas que más utiliza.

Familiaridad: Una de las características de una buena interfaz es que en su mayor parte no requiere un aprendizaje específico, sino que es utilizable inmediatamente porque se basa en conocimientos previos de la vida real de los usuarios. Utilizar conceptos, mecanismos e imaginería del mundo real como metáforas permite a los nuevos usuarios empezar a utilizar la aplicación casi de inmediato, porque intuyen su funcionamiento al encontrarse con conceptos conocidos. Además, emplear las convenciones típicas de las aplicaciones facilita también el aprendizaje, puesto que se aprovecha una parte del conocimiento previo en la utilización de otras aplicaciones.

Simplicidad: Una interfaz repleta de funciones avanzadas sólo distrae a los usuarios y les impide realizar las tareas comunes del día a día. Por el contrario, una interfaz que sustenta las acciones del usuario acaba desapareciendo como interfaz y se convierte en tapiz. Además, los objetos de la interfaz tienen que parecer lo que son. Los controles, los elementos y sus relaciones tienen que tener un significado obvio, claro y comprensible, de modo que de un vistazo el usuario pueda entender, sin llegar a tocar el ratón, cómo funciona la aplicación.

Transparencia: A diferencia de muchos otros sistemas como motores o máquinas de tabaco, las aplicaciones son sistemas interactivos que no hacen ruido mecánico por sí mismos. Por tanto, toda la comunicación debe vehicularse a través de la vista (ignoramos aquí aquellas que generan efectos sonoros, como aplicaciones de escritorio). Las mejores interfaces dialogan con el usuario de modo visual (y más que textual): estas pistas visuales evidencian qué está haciendo la aplicación, cuánto queda, y qué se espera del usuario. Con barras de estado, barras de progreso y técnicas como el empleo de focus y highlights, la interfaz comunica visualmente al usuario la actividad de la aplicación, que si no sería completamente silenciosa. La interfaz debe ser transparente y mostrar visualmente la acción que el usuario realiza, de modo que trabajar con la aplicación sea obvio, y que los efectos de utilizarla sean inmediatos.

Diálogo: Aparte de ser transparente en su funcionamiento, la aplicación debe comunicarse con mensajes de texto con el usuario. Mediante estos mensajes, que pueden ser de error, de alerta o de confirmación, la interfaz debe expresar lo que está ocurriendo “under the hood”, detrás de la pantalla. Estos mensajes deben estar bien redactados y ser precisos sobre el tipo de error que ha habido, sobre la acción que se ha completado o sobre el aviso que quiere darse al usuario. No deben ser genéricos sino específicos. Deben dar siempre la oportunidad de cancelar la acción, si no está hecha, o deshacerla, si ya está hecha.

Seguridad: El usuario debe tener la seguridad de que usar la aplicación no es ni peligroso ni arriesgado. Es decir, que no es posible equivocarse sin haber sido advertido previamente, ni que no es posible cometer un error sin poder restaurar el estado de las cosas antes de cometerlo, es decir, deshacerlo. Eso pasa por no situar ningún botón fatal en un sitio de paso cualquiera sino en un sitio protegido, dar el aspecto pertinente a los botones de acción fatal, pedir confirmación antes de realizar la acción, etc. El usuario debe tener la seguridad de que si va a realizar alguna acción crítica, la aplicación estará a la altura y sabrá advertirle de modo oportuno (en el momento adecuado) y pertinente (avisando con claridad las consecuencias de esa acción crítica).

Consistencia: Una interfaz consistente logra una de las mayores virtudes de las interfaces: la predictividad. La aplicación debe comportarse de una manera predecible. El usuario debe poder predecir y acertar sobre lo que pasará cuando haga click aquí o allí, porque antes ha visto a la aplicación responder de ese modo en una situación parecida. Eso se logra cuando elementos de la interfaz parecidos se comportan de manera parecida, y cuando ese comportamiento se mantiene de modo consistente a través de toda la aplicación. Los mismos objetos de la interfaz deben comportarse de la misma manera en cualquier lugar. Si van a comportarse diferente, su aspecto también debe ser diferente.

Existe en el cliente de Mail del Mac OS X (todas las versiones) lo que a mi entender es un pequeño pero grave error de diseño. Se trata de los dos iconos que representan las acciones de “Eliminar” y “Trasladar a Correo no deseado” el mensaje/mensajes que tengamos seleccionados. El problema es que los dos iconos parece que estén intercambiados, lo que genera en algunos usuarios confusión (cuanto menos a mí me pasa, pero también he visto a otros usuarios de Apple Mail claramente dubitativos frente a la duda de qué botón deben apretar). En el Apple Mail:

El botón de “Eliminar” es una señal de “Prohibido el Paso”, que obviamente nada tiene que ver con la acción de Eliminar y sí con el hecho de denegar el paso a mensajes de spam.

Por su parte, el botón de “No deseado” es una bolsa de basura convencional que, además, si nos fijamos bien veremos que es una bolsa de basura reciclable, dejando intuir que su contenido se puede reciclar (recuperar), utilizando la misma metáfora que utiliza Windos con su “Papelera de Reciclaje”.

Al ser dos iconos que parecen reflejar dos acciones que no son las que realmente realizan, esto se convierte en un fallo en la usabilidad de la aplicación, lo que en consecuencia crea a menudo errores: hay usuarios que creen prohibir el paso de e-mails de spam marcando el mensaje con la señal de Prohibido, pero en cambio lo que están haciendo es eliminarlo sin marcarlo como spam (y además legitimado el mensaje como un e-mail genuino).

Por su lado, hay usuarios que, una vez leído un e-mail legítimo de un contacto, lo quieren eliminar y por tanto trasladar a la papelera de reciclaje. Por tanto, se dejan guíar por la iconografía de la interfaz y aprietan el botón de la papelera amarilla, sin darse cuenta de que están marcando como spam ese mensaje y, por tanto, marcando también como spam los que puedan provenir en el futuro de ese remitente.

La lógica del usuario es evidente y no deja dudas: si quiero eliminar un mensaje, por qué debería apretar un botón que significa universalmente “Prohibir” y no dice nada de “Eliminar”? Con más motivo aún cuando justo al lado hay un botón con un cubo de basura, que es la metáfora más extendida en informática para la acción de “Eliminar”. El cubo de basura significa universalmente “Eliminar” y además viene reforzado por el símbolo de reciclaje, que me informa que no un eliminado definitivo, sinó que si luego quiero recuperarlo podré hacerlo (como en la Papelera de Reciclaje de Windows, o la Papelera de Mac OS X). Si por el contrario, quiero marcar como “correo no deseado” un mensaje y por tanto prohibir que no vuelva a entrar en el buzón de entrada ningún mail parecido, no debería apretar el botón de “Prohibir”???

Lógicamente, la solución radicaría en intercambiar los iconos de lugar, como se ilustra en la imagen de arriba. Pero claro, no puedes cambiar de orden dos iconos a los que la gente se ha habituado (aunque sea en una relación tormentosa con ellos) y que ahora signifiquen cosas distintas a las que han significado hasta ahora.

Por tanto, la única opción radica por realizar una alternativa completamente nueva, como por ejemplo esta propuesta que se ve en la imagen de abajo:

La ventaja de esta propuesta es que la acción de “Eliminar” queda ilustrada por un cubo de basura idéntico al que existe en el escritorio (Finder) de Mac OS X, con lo que la curva de aprendizaje, sencillamente, no existe. Los usuarios están plenamente habituados a esta metáfora. Por otro lado, el símbolo de radioactividad (aunque podría ser otro: una cucaracha, un demonio rojo, un virus, una araña…) es un símbolo universal de peligro e de infección, ideas correctamente asociadas a mensajes de spam o de virus.

Siempre me han fascinado las marcas, desde mucho antes de que ni siquiera supiera qué era el branding. Recientemente he conocido una nueva marca, dedicada a comercializar ropa outdoors, llamada Napapijri. A pesar de su nombre de origen finlandés (al parecer, napapijri significa “círculo polar ártico” en finés), la marca es de origen italiano. Napapijri es una marca que no está al alcance de los mortales currantes como yo: sus chaquetas, pantalones, jerseys y complementos valen una fortuna, y la marca se posiciona como ultra-premium sin complejos.

Aún así, la verdad es que los diseños de Napapijri no son nada del otro mundo y probablemente las tecnologías que usan tampoco (cualquier fabricante de ropa técnica como TNF, Helly Hansen o Salomon seguro que tiene ropa con mejores prestaciones, por la mitad de precio), por lo que lo que más me ha gustado de Napapijri no han sido sus productos sinó el sabor que desprende la marca. Napapijri dice estar inspirada en las primeras expediciones al Polo Norte y al Polo Sur, y dice apoyar exploraciones científicas a la Antártida. Sea verdad o no, lo cierto es que navegando por su web me he acabado inspirando y he acabado haciendo una composición (que puede valer como wallpaper de Napapijri) que intenta ilustrar ese espíritu que Napapijri intenta transmitir. Se puede ver aquí:

NAPAPIJRI WALLPAPER

Lo he enviado a Napapijri también por si quieren utilizarlo para algo, a ver qué dicen…

1. Las tipografías con serif deben medir siempre algo más que las sin serif; por ejemplo si una sans serif tiene entre 9 y 11 puntos; si la cambiáramos por una serif ésta debería tener entre 11 y 12 puntos.
2. Es bueno evitar columnas de texto con más de 80 carácteres por línea. Las líneas más largas de 80 cpl pueden llevar a que los usuarios lectores lean la misma línea dos veces; sin embargo, las más cortas de 80 cpl rompen tan a menudo que es difícil seguirlas.
3. No abusar de letras todas mayúsculas, especialmente cuando se trata de composiciones con un uso intensivo de textos. Las mayúsculas reducen la velocidad de lectura un 30% y en cambio requieren un 30% más de espacio que las minúsculas.
4. En diseño de revistas y periódicos, pero también en la web, el ancho de la columna debería ser tan largo como lo que ocupara una vez y media el alfabeto entero en la tipografía que quieres usar y en minúscula.
5. En diseño de vallas exteriores, un buen anuncio no tendrá más de 7 palabras y no más de 2 cosas a las que mirar.
6. En las tipografías en cursiva, el cuerpo de letra perfecto es aquel que su altura es 5 veces el ancho.
7. Para saber la legibilidad de un texto a distancia, hay que que coger la mitad de la altura de la letra en pulgadas y multiplicarla por 100, para tener la distancia de la que es legible en pies

Bueno, pues eso eran 7 principios básicos en el uso de tipografías que siempre va bien tener a mano.

Dos ideas:

El diseño es esencialmente prescriptivo mientras que la ciencia es predominantemente descriptiva. Los diseñadores no se encargan de cuestiones como qué es, cómo y por qué, sino con lo que podría ser o lo que debería ser. Mientras que los científicos pueden ayudarnos a entender el presente y predecir el futuro, los diseñadores prescriben y crean ese futuro.

Los diseñadores, a diferencia de los científicos, parece que no tienen derecho a equivocarse. Mientras que a menudo se acepta que una teoría científica que ha sido deprecada puede haber contribuido al avance de la ciencia, raramente a los diseñadores se les reconoce una contribución de este tipo.

(inspirado por How Designers Think)

Un tema recurrente en las relaciones entre diseñadores y clientes y que ya ha sido comentado, entre otros sitios aquí y aquí, es el empleo del espacio en blanco. En este post intento explorar un poco más la cuestión, pero además aportar también una manera fácil y objetiva de explicar al cliente la importancia del espacio en blanco y su papel en cualquier diseño, y así intentar evitar atiborrar cada píxel del diseño que realizamos.

El uso (y el no uso) del espacio en blanco (que por cierto, no tiene por qué ser blanco) es uno de los motivos típicos de discusión entre diseñadores y clientes. Para los diseñadores, es un espacio necesario para mantener el equilibrio y el orden del diseño. Para los clientes, es un espacio vacío y desaprovechado que podría aprovechar para introducir nuevos elementos.

En la mayoría de los casos, a grandes rasgos son los diseñadores los que tienen razón, aunque ello está exento de mérito teniendo en cuenta que se trata de una cuestión técnica de diseño. Es un hecho que el uso inteligente del espacio en blanco es un elemento esencial del buen diseño. El espacio en blanco es como la respiración en poesía, algo necesario.

Pero el problema es otro. No es tanto que el cliente quiera rellenar cualquier espacio en blanco que encuentre, como que nosotros, los diseñadores, no somos capaces de justificar su uso, y por tanto no acabamos de convencer al cliente sobre por qué debería dejarl ese espacio en blanco. Solemos defender el uso de espacio en blanco aduciendo que “queda mejor” o que “queda más bonito”. Con estas justificaciones, es normal que no se logre convencer a ningún cliente. Sin embargo, bien argumentado y explicado, es incluso posible obrar el milagro de que el cliente acabe apoyando el uso del espacio en blanco. Sí, es posible.

Cuando defendemos el uso del espacio en blanco alegando que “queda bien” o que “así respira más”, nos estamos equivocando. Son argumentos muy débiles. Debemos justificarlo de otra manera: deberíamos defender su uso explicando que cada elemento nuevo que se añade al diseño le resta importancia a los demás elementos. Eso sí lo entiende un cliente. En otras palabras, cuanto más elementos añadas, menos importancia obtienen todos y más diluido (y menos impactante) será el resultado. El diseño pierde efectividad entre el ruido que se genera. Eso sí lo entiende un cliente. El diseño de impacto necesita el uso prolijo del espacio en blanco para que el mensaje principal aparezca en soledad, esté libre de distracciones, sea único y por tanto atraiga magnéticamente toda la atención. El espacio en blanco, más que espacio desaprovechado, es la luz que ilumina un elemento del diseño. Cuanto más espacio en blanco tenga a su alrededor, más visibilidad obtendrá. Eso sí lo entiende un cliente.

He hecho mención al término “visibilidad”. En cualquier diseño, rápidamente se puede comprobar que cuantos más elementos se añaden a un tapiz, más probable es que los elementos más importantes se pierdan entre la multitud. Eso va en detrimento de lo que suelen querer muchos clientes: atención e impacto. En cambio, con la utilización de espacio en blanco, la supuesta oportunidad perdida de no aprovecharlo se compensa con la obtención de una mayor atención a los elementos restantes, que obtienen una visibilidad aún mayor. Eso es lo que se llama técnicamente “visibilidad relativa”.

Hay una manera muy clara de explicar el concepto de visibilidad relativa, y este concepto nos puede ayudar mucho a explicar a nuestros clientes la necesidad del espacio en blanco de un modo convincente. Hay un hecho incontestable y es que la atención de la audiencia es limitada, y que por tanto no por añadir más elementos a un diseño se obtiene más atención por parte del lector. Digamos por ejemplo que un lector dispone de 10 puntos de atención sobre un anuncio. Si en el anuncio sólo hay un mensaje, ese mensaje obtiene 10 puntos de atención. Si hay dos mensajes expresados gráficamente en igualdad, cada uno de ellos obtiene 5 puntos de atención. Si hay un slogan, una foto, un texto y un logo, el reparto de la atención del lector se hará acorde con la importancia visual que el diseñador haya asignado a cada elemento. En un caso típico, el slogan se llevaría 3 puntos, la foto 4 puntos, el copy 1 y el logo 2 puntos.

Por tanto, dado que la atención es limitada, utilizar espacio en blanco en un diseño no es desaprovechar territorio, sino dar más puntos de atención al resto de elementos, concentrar la atención en otros elementos. Es una manera de dar importancia a algo y de guiar el ojo del usuario hacia lo que queremos destacar.

El sistema de puntos de atención no sólo nos permite explicar muy bien el rol que juega el espacio en blanco en un diseño, sino que también es muy práctico para poder definir conjuntamente con el cliente la importancia que tienen varios elementos dentro de una composición. Asignándoles puntos hasta llegar al tope de 10 puntos (algo así como el “saldod e atención” del lector), el cliente puede priorizar los elementos de un modo más objetivo y comprensible para nosotros, y nosotros repartir consecuentemente la atención del lector a los diferentes elementos según la importancia que les ha sido atribuida. Por supuesto, ello lo conseguiremos otorgando más o menos relevancia visual a los elemento mediante colores, distribuciones, contrastes, gruesos, formas, tipografías… y sí, también con espacios en blanco.

Este es el resultado:

A mi personalmente me gusta más la nueva familia de logos de la ERT; el estilo “Yoigo” de la RTVE no me convence…

Por cierto, en Grecia la gente ha puesto el grito en el cielo al saberse que los nuevos logotipos han costado más de un millón de euros (1.200.000 euros para ser exactos). Obviamente no son sólo los logos sino también su aplicación en infinitas aplicaciones, pero bueno sigue siendo mucho dinero… Por curiosidad y por querer comparar, ¿alguien sabe cuánto han costado los de RTVE?